10 thèmes sinistres de la mort dans l'art occidental

10 thèmes sinistres de la mort dans l'art occidental

L'art est souvent des artistes thématiques ont exploré des idées communes dans différents médiums et de différents angles à travers les âges. Au Moyen Âge, à partir du 14ème siècle, l'art a tourné vers l'obscurité lorsque la peste connue sous le nom de mort noire est descendue sur l'Europe comme l'apocalypse elle-même. Cette période était souvent remplie de désespoir et de désespoir, et pour la première fois, plusieurs thèmes différents tournant autour de la mort ont été développés ou plus fortement explorés.

10 Plague Art


Il est impossible de sous-estimer l'effet que la mort noire a eu sur la société médiévale. Piant en pic en Europe entre 1348 et 1350 avec des épidémies supplémentaires en 1361 et dans les années 1430, la peste était un bacille qui pouvait être contracté par la morsure d'une puce ou d'un rat infecté ou dans l'air, selon la variété. La première vague de la mort noire a tué environ 25 à 50% de la population européenne.

La peste s'est fait sentir tout au long de la culture médiévale, où les gens ont trouvé un débouché pour exprimer leur désespoir collectif et leur dépression. Les artistes qui avaient autrefois peint des scènes joyeuses représentant une dévotion pieuse ou des illustrations élevées des réalisations de l'humanité se sont maintenant transformées en scènes de mort et de dévastation. Les thèmes religieux devenaient également sombres, se concentrant sur les tourments de l'enfer et les salaires du péché, tournant de plus en plus le dos aux récompenses du ciel ou au confort du rituel. C'est dans cet environnement macabre que plusieurs thèmes ont commencé à émerger autour de la mort dans l'art européen précoce, dont le moindre n'était pas la peste elle-même.

Giovanni Boccaccio a utilisé la mort noire comme toile de fond de son classique Décameron, Une histoire d'hommes et de femmes qui fuient la ville vers une petite villa afin d'échapper à la peste. Les histoires délicieuses qu'ils racontent lors de la cachette sont un contrepoint austère à la dévastation qui se produit à l'extérieur. Scènes de procession funéraires - déjà un thème commun dans l'art, nous avons été peints en montrant des rois ni des saints non célèbres comme avant mais des victimes de la peste anonyme car elles étaient conduites à la tombe. Alors que de plus en plus de gens commençaient à voir la peste comme une sorte de condamnation divine, l'Église a souligné l'importance du salut à travers le rituel religieux et le repentir comme le moyen approprié pour lutter contre l'épidémie, une attitude reflétée dans des œuvres comme les frères Limbourg ' Le cortège de Saint Grégoire (1300) et l'éclairage du 14e siècle de James Le Palmer pour le Omne Bonum, qui dépeint les victimes de fléau recevant les bénédictions d'un prêtre.

Des scènes réalistes de patients traitées dans les hôpitaux et à la maison étaient généralisées, en particulier pendant la Renaissance. Ceux-ci étaient souvent accompagnés de représentations précises des blessures et des pustules gonflés des mourants, comme dans Jacopo Robusti St. Roch à l'hôpital. («La peste des saints» était un genre en soi.) La scène du «lit de la mort», dans laquelle une personne mourante est cérémonieusement entourée de proches, date de la période de mort noire dans les années 1400. Il y avait également une tendance à représenter des figures sculpturales sur les tombes comme cadavres réels, portant souvent des signes de la peste ou même entièrement squelettique, au lieu de portraits idéalisés du défunt. Alors que la mort est devenue une sombre réalité et le paradis une abstraction lointaine, le réalisme a fait un grand retour dans l'art européen.

Ce ne sont que quelques exemples de la façon dont la mort noire a eu une influence directe sur l'art du Moyen Âge à travers les Lumières, ce qui nous inspire à ce jour. En 1988, Avant Garde Diva Diamanda Galas a sorti le premier record d'elle Masse de peste trilogie, Masque de la mort rouge, Un regard noir inspiré de la mort sur l'épidémie du sida qui a sûrement été enregistré en enfer.

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9death comme une répercus


Toutes les cultures en tout temps et en lieux ont personnifié la mort sous une forme ou une autre. Pour nous les gens modernes, l'une des personnifications les plus immédiatement reconnaissables est le Grim Reaper. De nos jours, il se trouve surtout sur les couvertures d'albums de heavy metal ou les bijoux goth, mais dans le monde médiéval, il était une figure authentique de la terreur.

L'idée de la mort en tant que Reaper tenant une faux qu'il utilise pour récolter les âmes est une invention du XVe siècle qui s'est appuyée sur de nombreuses sources antérieures. Les inspirations de la mythologie grecque comprenaient le Titan nommé Kronos (que les Romains auraient pu confondre avec les Chronos, le dieu du temps) et le bateau-bateau de la rivière Styx dans les enfers nommés Charon. Avant que sa forme moderne ne soit pleinement développée en Europe, la mort était généralement décrite comme un cadavre tenant un boulon d'arbalète, une fléchette, un arc ou une autre arme. C'est pendant la peste que l'Europe a commencé à dépeindre la mort comme un squelette brandissant une faux et portant une robe noire (ou parfois blanche). Il était généralement décrit comme un guide qui apparaîtrait à l'heure nommée du sujet pour les conduire, bien que dans des contes plus tard, il a en fait pris la vie lui-même, et les victimes pouvaient tricher ou négocier avec lui.

La mort en tant que Reaper peut être trouvée dans toutes les formes d'art à travers l'Europe. Il est apparu dans les pièces, les chansons, la poésie, la littérature romantique et les bawds. Il cache à travers les peintures plus sombres de Breugel et est souvent la figure de l'art «Danse Macabre». Dans la sculpture, une statue d'un évêque du XVIIe siècle dans la cathédrale allemande de Trier accompagnée de The Grim Reaper est un excellent exemple. Alors que la Bible n'a jamais dépeint la mort comme un Reaper, de nombreux artistes du XVe siècle ont utilisé le motif de l'art biblique. La gravure de Gustave Dore de Mort sur un cheval pâle (1865) est un exemple particulièrement dramatique.


8La danse de la mort


Une croyance s'est développée tout au long des années de peste que les morts pourraient ressusciter de leurs cimetières et attirer tous les passants malchanceux dans une danse macabre de la mort. Ces croyances folkloriques, alimentées par la poésie d'époque sur l'inévitabilité de la mort et une pièce dramatique traditionnelle adoptée en Allemagne, ont rapidement trouvé leur chemin dans l'art européen comme une allégorie de la société sur la mortalité, qui a gagné en popularité. Le message est clair dans le danse macabre-Personne ne s'échappe de la mort, il est donc plus sage de préparer votre âme pour son temps de calcul.

Le danse macabre dépeint la hiérarchie des classes, du pape à un enfant commun, engagé dans une routine quotidienne car ils ont été forcés dans les bras d'attente de la mort. L'un de nos premiers exemples picturaux provient d'une série de peintures créées en 1424-1425 et autrefois exposées dans le Cimétiere des Innocents à Paris. Les originaux ont été détruits en 1669, mais l'imprimante de Paris Guy Marchant a conservé leur essence dans une série de gravures sur bois avec les versets qui les accompagnaient.

Le motif a atteint son expression ultime dans Hans Holbein le jeune graves et vers La danse de la mort. Il a été publié pour la première fois en 1538 en tant que livre avec 41 gravures sur bois, tandis que les ajouts ultérieurs en 1545 et 1562 ont porté ce nombre à 51. L'ensemble du texte, ainsi que toutes les gravures sur bois, peuvent être trouvées en ligne ici. Un autre exemple fantastique, celui-ci en peinture, est Bernt Notke danse macabre. Il a été détruit lors des bombardements pendant la Seconde Guerre mondiale, un événement qui a été considéré comme une grande perte pour l'art.

7dance des squelettes


Un autre thème lié à la danse de la mort est la danse des squelettes, que nous connaissons principalement à travers une gravure sur bois par l'humaniste allemand et le cartographe au début Michael Wolgemut qui est apparu dans Liber Chronic («The World's Chronical»), Un livre écrit par Hartmann Schedel et publié en 1493. La danse des squelettes est différente de la danse de la mort en ce qu'elle est strictement basée sur le folklore, sans message social ou moral. Les squelettes sont généralement représentés en provenance de tombes ouvertes, en gravement et en jouant souvent de la musique et de la danse. La gravure sur bois de Wolgemut est un bel exemple du genre, qui a été utilisé pour illustrer et forger plutôt pour éduquer ou prêcher au spectateur.

La danse squelettique était un thème de courte durée dans l'art précoce, avec peu d'exemples survivants. Plus récemment, il a surgi en musique lorsque Camille Saint-Saens a basé son 1874 danse macabre Sur la danse de la mort et des thèmes de danse squelette. Dans le cinéma, Walt Disney et Silly Symphonies ont relancé le thème en 1929 dans le petit dessin animé immortel et souvent imité «The Skeleton Dance», dans lequel quatre squelettes dansent autour d'un cimetière et terrorisent les résidents vivants.


6anamorphose et symboles cachés de la mort


L'anamorphose, qui signifie «l'image dans l'image», est une technique parfois utilisée dans l'art pour créer des images cachées qui ne peuvent être vues correctement que sous certains angles ou dans les bonnes conditions. Il a été vu pour la première fois en Europe en 1485, lorsque Leonardo da Vinci l'a utilisé pour représenter un œil humain. Plusieurs artistes ont incorporé l'anamorphose dans des thèmes de la mort, dont l'exemple le plus célèbre est Hans Holbein le plus jeune Les ambassadeurs (1533).

Le tableau est un double portrait de Jean de Dinteville, ambassadeur français à la cour d'Henri VIII, et son ami d'enfance Georges de Selve, l'évêque de Lavaure qui a également agi comme ambassadeur à plusieurs reprises. Il a été peint dans les premières années de la Réforme et regorge de symbolisme politique et théologique sur ces thèmes, mais l'élément le plus discordant est une forme ovale étrange et allongée au bas du tableau, qui se résout en crâne lorsqu'il est vu avec l'œil à une position près de la main de l'évêque. L'un des objectifs de ce crâne caché était de rappeler aux puissants joueurs impliqués dans les problèmes de cette époque d'être humbles et conscients de leur mortalité.

L'anamorphose et d'autres formes d'images cachées ont été utilisées tout au long de l'histoire de l'art depuis le jour de Da Vinci. Un exemple ultérieur est Charles Allan Gilbert Tout est la vanité (1892), dans lequel une femme de l'époque victorienne s'admire dans un miroir qui, avec un changement de vision, se transforme en crâne. Vous pouvez trouver un exemple contemporain d'anamorphose sur le thème de la mort dans l'œuvre de l'artiste hongrois Istvan Orosz, qui crée des illustrations avec une sensation de gravure de bois médiévale qui cache toujours un crâne.

5death et la jeune fille


Le thème de la mort et la jeune fille peuvent être tracés jusqu'à la Grèce antique et l'histoire de Perséphone, qui a été kidnappée par Hadès et amenée dans les enfers après avoir choisi la fleur de Narcisse. L'un de ses thèmes est familier - que la mort surmonte tout, même la fière beauté des femmes, mais au XVe siècle, le thème a commencé à acquérir des caractéristiques uniques et est devenu ouvertement sexuel. Les femmes embrassées dans les bras des cadavres ou des squelettes étaient maintenant engagés dans un rapport intime avec la mort.

Entre Niklaus Manuel Deutsch Dances de la mort et Mort et la jeune fille (1517), nous pouvons réellement voir la transition. Dans le premier, la mort danse avec une élégante dame, plaçant les deux mains osseuses sur ses seins. Dans ce dernier, la mort ne danse plus, il l'embrasse pleinement, l'embrassant avec force tandis que ses mains vont à ses parties génitales. La jeune fille essaie de résister mais impuissant à le faire.

Cette imagerie fortement érotique, parfois utilisée par des artistes pour justifier des peintures de nus envers l'église, a été utilisée à maintes reprises tout au long du XVe siècle et au-delà. Une peinture dans une série peinte entre 1518 et 1520 par Hans Baldburg Grien représente une figure de nude semblable à Madonna saisie par un cadavre desséché tandis que le sperme et les fœtus, qui étaient des symboles du renouvellement de la vie, tournent autour d'eux. Ce symbolisme serait à nouveau utilisé par Edvard Munch dans son Mort et vie (1894).

L'un des exemples modernes les plus puissants est un dessin de l'artiste allemand Avant Garde Joseph Beuys. Créé en 1959, il représente la mort et la jeune fille sur une enveloppe portant le cachet d'une organisation de survivants de l'Holocauste. Dans ce dessin, la mort et la jeune fille sont insuffisantes et desséchées, un témoignage de la nature éphémère de la vie et du bon marché de la mort dans ce cataclysme.

Un thème similaire lié à la mort qui s'est élevé dans l'art de la période s'appelle «les trois âges de l'homme», bien qu'il représente généralement les femmes. Un chiffre est représenté successivement en tant qu'enfant ou nouveau-né, un jeune adulte, et enfin, une femme d'âge moyen, où la mort devait diriger le sujet hors scène vers les enfers. Un bon exemple est Grein Les trois âges de l'homme et de la mort (1510).


4Triomphe de la mort (Le triomphe de la mort)


Beaucoup plus dérangeant que la danse de la mort, le motif «triomphe de la mort» était un autre thème qui était courant chez les artistes médiévaux. Comme la danse, le message sous-jacent était que la mortalité est inévitable, mais contrairement à la «danse», le thème du «triomphe» représente la mort comme un instrument de chaos et de destruction, un dictateur brutal dont les serviteurs balayent tout, détruisant tout sur son chemin sur son chemin. Il était particulièrement associé aux temps de guerre et de peste. Ce thème remonte au moins dans les années 1400, car c'était déjà une idée répandue lorsqu'un artiste inconnu a peint une fresque dans la cour de Palazzo Sclafaniin, Palerme dans le sud de l'Italie. Le triomphe de la mort (1445) présente un squelette brandissant un arc sur un cheval squelettique et tire des flèches sur ses cibles, des villageois médiévaux de tous horizons allant à leurs parcours.

Le chef-d'œuvre incontesté de ce thème est Le triomphe de la mort (1562) par Pieter Bruegel l'ancien. Dans la peinture, un village médiéval autrefois pénible devient réduit à une friche apocalyptique par une armée de moissonneurs et de cadavres. C'est comme Bruegel effacer chacune de ses peintures de scène médiévale dans une toile. Littéralement des centaines de représentations et symboles de la vie quotidienne traversent la peinture, chacune une petite morale jouent dont la thèse est la mort. Même un roi ne reçoit aucun sursis. Un cadavre affiche son sablier, à court de temps, et le roi succombe alors qu'un autre cadavre blindé s'entraide à sa richesse collectée. Tout est perdu. Tout est futile. La mort triomphe toujours à la fin.

Le triomphe de la mort est largement considéré comme l'une des peintures les plus importantes de son temps. UN le journal Wall Street L'article a noté que «la brutalité de ces images a donné à l'image de Bruegel une pertinence terrible et continue. Il semble anticiper les descriptions de la guerre des Trente ans au XVIIe siècle… Le plus dérangeant d'un point de vue du 21e siècle est ce qui apparaît à droite de l'image à être des conteneurs rectangulaires où les humains sont forcés à l'intérieur et envoyés à leur mort. La similitude des appareils avec la technologie nazie d'extermination massive a frappé de nombreux téléspectateurs."Tant qu'il y aura la guerre, la famine, la peste et la mort elle-même, le chef-d'œuvre de Bruegel continuera d'être une peinture qui nous dérange même s'il résonne.

3La Grateful Dead


Le motif du «Grateful Dead» est rare dans l'art pictural, plus souvent associé au folklore et à la littérature. Les légendes sur les Grateful Dead tournent autour de deux thèmes de base. Dans le premier, quelqu'un offre un service ou une faveur à quelqu'un qui est mort, comme prendre soin des dettes impayées ou payer un service funéraire, et est récompensé d'une manière ou d'une autre par son esprit. Dans la seconde, une personne ayant un besoin urgent d'aide entre dans un cimetière et prie pour obtenir de l'aide. Les morts se lèvent alors de leurs tombes pour aider les vivants.

L'ancien remonte à l'Ancien Testament Times avec le livre apocryphe de Tobit. Il a ensuite été ramassé dans la littérature, notamment dans les romans médiévaux. Ce dernier peut être vu dans une fresque appelée La légende des Grateful Dead, peint en Suisse par un artiste inconnu au début du XVIe siècle et restauré en 1740. Il représente un homme chassé par une bande de voleurs dans un cimetière inconsciente, où il s'agenouille pour prier. Avant que les voleurs meurtriers ne puissent l'atteindre, les tombes autour de lui éclatent avec les cadavres des morts qui se précipitent pour défendre l'homme avec des bâtons et des crises, reconnaissants pour les prières qui leur permettront de reposer en paix.

Le message des histoires de Grateful Dead est très différent de la plupart des thèmes liés à la mort de l'art européen, peut-être parce que les souvenirs de la peste se retiraient et que plus de gens se permettaient d'être positifs sur l'avenir. Ils ont rappelé à la vie de penser à leurs proches et de les garder dans leurs prières et de se souvenir de ceux qui étaient partis.

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2skulls dans l'art


Peut-être qu'aucune autre icône n'a eu un impact aussi universel sur le symbolisme et l'art que le crâne humain. Ses caractéristiques symétriques sont visuellement attrayantes à l'œil même si son association évidente avec la mort fascine et repousse en même temps. Pratiquement toutes les cultures en ont utilisé, le plus souvent comme symbole de mortalité, mais parfois comme affirmation de la vie, comme l'utilisation par le Mexique des crânes et des squelettes pendant Dia de los muertos («Jour des morts») Festivals.

Le crâne est souvent incorporé dans des peintures de nature morte avec d'autres objets connexes. Parfois, il était utilisé quelque part dans une peinture comme une intimation de la mort ou peinte sur le dos des portraits pour servir le même but. Un crâne pourrait également être utilisé en remplacement du sujet réel dans un portrait si cette personne était morte. Dans le Triptyque de la famille Braque (1452) Par le peintre néerlandais Rogier van der Weyden, un crâne est représenté non seulement comme un Memento Mori Mais une représentation du patron, dont les réalisations sont symbolisées par la brique et la crête de la famille également montrée. Le crâne était une caractéristique commune des bijoux même au Moyen Âge, car les hommes et les femmes de la classe supérieure portaient des médaillons qui étaient gravés de visages d'un côté et des crânes de l'autre comme un rappel de la mort et l'obligation de mener une vie morale.

En raison de leur attrait esthétique, les crânes étaient souvent utilisés à des fins non symboliques et purement décoratives également. Cezanne Les trois crânes (1900), l'une des nombreuses peintures qu'il a faites du sujet, combine des éléments de l'impressionnisme et de l'expressionnisme, créant des interactions complexes de lumière et de forme qui ont une signification technique et émotionnelle mais sans l'accent mis sur le sens symbolique qui caractérisait les représentations occidentales antérieures de crânes. Au XVIIIe et au début du XIXe siècle, le crâne était devenu un symbole des pirates puis des râteaux, des ne'er-do-wells et des hors-la-loi. Cette utilisation se poursuit aujourd'hui, comme on peut le voir dans la mode et les bijoux des motards, des rockers punk et d'autres sous-cultures anti-autoritaires.

1anatomie comme art


En 1697, l'anatomiste néerlandais Frederik Ruysch a tellement impressionné Peter le Grand que le tsar russe a acheté toute la collection de son travail au Musée anatomique de Ruysch. Les affichages anatomiques de cadavres et de squelettes humains et animaux préservés n'étaient pas nouveaux, et le genre de légendes admonitoires souvent placées sur des plaques pour décrire les scènes, mais ce qui a rendu le travail de Ruysch unique, c'est qu'il a fait de son mieux pour représenter le beauté de l'anatomie et de la mort.

Avec la Renaissance en plein essor et le souvenir de la peste en dérivant, la floraison de la science moderne a apporté de nouvelles attitudes à l'égard de la mort et de la mort. La mort pouvait à nouveau être considérée comme un cycle, une contrepartie à la vie qui était tout aussi importante et poignante. Ruysch sought to capture those ideals in his work, which combined embalming techniques with sculptural and painterly concepts to create works that incorporated mummified children and preserved fetuses and skeletons with still life and artistic embellishments that were created with other anatomical details, including trees and bushes formed des artères humaines et des rochers formés à partir de calculs rénaux.

Ruisch a poursuivi son travail au 17ème siècle. Malheureusement, aucun de ses dioramas ne survit aujourd'hui, bien que quelques bébés décorés conservés dans des bocaux existent toujours. Nous les connaissons grâce au travail des graveurs, principalement Cornelius Huyberts, qui les a publiés dans le Thésaurus anatomicus.

Lance Leclaire est un artiste et écrivain indépendant. Il écrit sur des sujets allant de la science et du scepticisme, de l'athéisme et de l'histoire et des problèmes religieux aux mystères inexpliqués et aux bizarreries historiques, entre autres sujets. Vous pouvez le rechercher sur Facebook ou garder un œil sur ses articles sur Listverse.